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10 de Marzo

Liars / Sisterworld - Quietmansmiling

Originalmente en jenesaispop

La banda de Brooklyn ha producido a lo largo de sus casi ya diez años de historia una serie de álbumes que contienen una de las mezclas de sonidos más extrañas, personales y fascinantes de todo lo que nos llega de EE.UU. Su disco de debut ‘They Threw Us All In a Trench and Stuck a Monument On Top’, de 2001, podría denominarse como una versión sucia y destartalada de la ola de punk funk (The Rapture, Radio 4, etc.) de comienzos de la pasada década. A continuación llegó ‘They Were Wrong, So We Drowned’, un disco de salto al vacío, carente de melodías, con ritmos y ruidos raros, y con la leyenda alemana de la noche de Walpurgis como trasfondo. Este tuvo su continuación dos años más tarde con ‘Drum’s Not Dead’, otro álbum conceptual sobre algo así como la lucha entre el estrés y la creatividad. ¿Qué podía ser lo siguiente? La respuesta llegó solo un año después con su disco homónimo, en el cual, para sorpresa de todos, expresaban su visión del pop/rock convencional, saliendo más que airosos del envite.

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25 de Febrero

El hotel Chelsea y la mesa de Warhol - Patti Smith

Originalmente en radar

Yo no tenía idea de lo que sería la vida en el hotel Chelsea hasta que me mudé ahí, pero enseguida me di cuenta del enorme golpe de suerte que había sido encontrar esa habitación. Con lo que pagábamos nos podríamos haber alquilado un departamento grande cerca de las vías en el East Village, pero hundirse en este hotel excéntrico y maldito daba una sensación de seguridad además de una educación estelar. Una semana o dos después de mudarme allí, pasé a El Quixote. Era un bar-restaurante que quedaba junto al hotel, conectado al lobby por una puerta, lo que lo hacía sentir como nuestro bar, cosa que había sido durante décadas. Dylan Thomas, Terry Southern, Eugene O’Neill y Thomas Wolfe habían estado entre los que levantaron demasiadas copas allí.

Llevaba un largo vestido de rayón estilo marinero con lunares blancos y un sombrero de paja, mi estilo Al este del Paraíso. En la mesa a mi derecha, Janis Joplin atendía a la corte con su banda. Más allá estaban Grace Slick y Jefferson Airplane junto con miembros de Country Joe and The Fish. En la última mesa, de cara a la puerta, estaba Jimi Hendrix, con la cabeza agachada, comiendo con el sombrero puesto, frente a una rubia. Había músicos por todas partes, sentados ante mesas con langostinos en salsa verde, paellas, sangrías y botellas de tequila. Me quedé ahí parada, alucinada, pero no me sentía una intrusa. El Chelsea era mi hogar y El Quixote, mi bar. No había guardias de seguridad, no había sensación de privilegio. Estaban ahí porque tocarían en Woodstock. Grace Slick se puso de pie y pasó a mi lado. Estaba usando un vestido largo, que llegaba al piso, y tenía ojos violeta oscuro como Liz Taylor.

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Retrato de los artistas cachorros - Mariana Enriquez

Originalmente en radar

Patti Smith tenía 20 años cuando llegó a Nueva York desde Nueva Jersey, y dejaba atrás un ingrato empleo en una fábrica, una familia que la quería, pero probablemente no la comprendía, y su primer hijo, que nació cuando ella tenía 19 años y fue dado en adopción. Estaba llena de influencias, de devociones: Jean Genet, Rimbaud, Dylan, Lotte Lenya. Quería ser artista, no sabía si pintora o poeta o qué, pero eso que la urgía y atragantaba sólo podía ser conseguido en Nueva York, que entonces vivía el fin de una de sus etapas de bohemia más mitológicas: Dylan en Greenwich Village, Warhol y sus estrellas, la Velvet Underground. Ella llegaba para inaugurar otra etapa de la ciudad; una ciudad que ya no existe, con sus artistas hambrientos en departamentos que nadie quería alquilar, el optimismo entre la pobreza y el peligro, una elegante crudeza que podía encarnar tanto en los Ramones como en Tom Verlaine. O en Robert Mapplethorpe, que es el otro absoluto protagonista de Just Kids, el volumen de memorias de Patti Smith que acaba de publicarse en inglés, y que comienza y termina con el llamado telefónico que le anuncia a la autora la muerte de su mejor amigo, de su alma gemela, en 1989. Pero la narración no llega tan lejos. Apenas se pone en puntas de pie para mirar el éxito futuro, presagiado por la pequeña y enorme colaboración entre Mapplethorpe y Smith que les daría un nombre a los dos: la tapa de Horses, el disco debut de Smith y uno de los retratos más famosos de Mapplethorpe, donde ella posa con el saco al hombro, en una actitud desafiante y tan joven, hermosa en su delgada androginia.

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18 de Febrero

Dientes blancos - Rodrigo Fresán

Originalmente en :: radar ::

La pupila sin párpados del láser se posa sobre los surcos digitalizados –sobre la secuencia de los 0 y los 1– y escuchamos eso de “En diciembre, bebiendo horchata / Yo luciré tan psicótico en una balaclava”. Y enseguida nos preguntamos dónde oímos esa voz antes. Y, de pronto, ese estallido de guitarras africanas y, sí, la fusión delicada a la vez que exótica de cierto fraseo vocal con cierto sincopado punteo de guitarra eléctrica.

Y la respuesta es Graceland, la respuesta es Paul Simon.

Pero no. Ni lo uno ni el otro. Lo que estamos escuchando –y disfrutando– es “Horchata”: primer track de Contra, segundo trabajo de Vampire Weekend.

Y Vampire Weekend es una banda de New York que, por estos días, es algo así como el sabor de moda. En realidad –no es poco mérito– Vampire Weekend lo viene siendo desde principios del 2008. Cuando lanzaron su muy celebrado debut –simplemente titulado Vampire Weekend, ensayado rápido, grabado más rápido todavía, autogestionado sin buscar los consuelos y las consolas de un productor de moda– y se convirtieron en el primer grupo en toda la historia de la revista Spin en engalanar su portada antes de llegar a las disquerías.

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11 de Febrero

Portishead - Chase The Tear

Originalmente en La Petite Claudine

Desde Third -dice LPC- pienso que Beth Gibbons es demasiado comodona para las curvas que está cogiendo PH. Y me pongo tontorrona pensando en una colaboración con Karin Dreijer...

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9 de Febrero

En su vida - Rodrigo Fresán

Originalmente en :: radar ::

“Había una vez cuatro humildes jóvenes de provincias que se conocieron, formaron una banda y, juntos, compusieron una música maravillosa con la que conquistaron al mundo todo y vivieron felices por un tiempo y comieron muchas perdices y...”

No nos cansamos de oír –y de leer– la leyenda de Los Beatles porque, con apenas medio siglo girando en su cielo con diamantes, ya tiene la textura y el poderío de los mejores cuentos de hadas o, mejor dicho, de hechiceros. No es casual que uno de sus proyectos truncos haya sido protagonizar en el cine El señor de los anillos –Lennon como Gollum, McCartney como Frodo, Harrison como Gandalf y Starr como Sam–; y tampoco es blasfemia aquella bomba que en su momento arrojó el Beatle John: quizás Los Beatles no sean más grandes que Cristo pero, seguro, la trama de sus días y de sus noches es tan buena o mejor, narrativa y dramáticamente hablando, que la del Hijo de Dios.

Y, seguro, suena mucho mejor.

I READ THE BOOKS...

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3 de Febrero

Sonic Youth: Esa Jet Set Experimental - Iván López Munuera

Originalmente publicado en Pasajes diseño

De las portadas de Raymond Pettibon a las de Richard Prince, de las camisas de franela de cuadros de 5$ a los vestidos firmados por Marc Jacobs, de las camas mugrientas a los mullidos sofás de Starbucks, de cantarle a Charles Manson a ser fotografiados por Sofia Coppola. Todos estos síndromes modernos y esta Jet Set experimental se llevan dando cita desde hace casi treinta años en un mismo lugar: Sonic Youth, a quien el CA2M dedica una exposición retrospectiva, Sensational Fix, comisariada por Roland Groenenboom.

“Le robé el novio a mi hermana. Todo era como un torbellino de calor y centelleos. En una semana matamos a mis padres y nos dimos a la carretera”. Estas palabras -escritas al lado de la imagen de dos chicos lánguidos parapetados tras sus cigarros y gafas de sol- aparecieron escritas en la portada de un álbum que, casi desde el mismo momento de su aparición en 1990, devino en mítico: el Goo, de los neoyorkinos Sonic Youth. Mientras aquellas canciones que hablaban de sucias botas (Dirty Boots) y de raperos que decían liberar a las mujeres a golpe de estereotipos (Kool Thing) se iban colando con dificultad por las emisoras de radio; aquella portada, firmada por Raymond Pettibon, alcanzaba una difusión desproporcionada tras convertirse en codiciadísima ilustración de camiseta para toda una generación de perdedores, marginados, outsiders y universitarios ricos con ganas de pertenecer a una élite cultural. Porque, desde hacía algunos años (tal vez con la publicación del EVOL, 1986; desde luego con la aparición del Sister, 1987) y hasta hoy, Sonic Youth se ha convertido en algo más que un grupo que hace canciones. Es el Zeitgeist de una época escondido tras un hardcore progresivo, unas letras desencantadas y un amateurismo de ascendencia garajera (respecto al Goo casi todos los críticos estaban de acuerdo en una cosa, que el adjetivo que mejor se ajustaba a su sonido era “barato”).

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20 de Enero

Mucho ruido - Pablo Gianera

Originalmente en adn*cultura

Véase también en salonkritik: Partituras para un tiempo convulso

El ruido eterno (traducción un poco libre de The Rest Is Noise, el shakesperiano título original) tuvo el raro privilegio de haberse convertido en best seller, tanto en Estados Unidos como en España, aun cuando su objeto es una música, la del siglo pasado, que, salvo contadas excepciones, ha quedado para bien y para mal al margen de las transacciones mercantiles.

"El predicamento cultural del compositor en el siglo XX", tal el tema de El ruido eterno según su autor. No se trata aquí de un ensayo sino de un manual, o de un informadísimo diccionario biográfico articulado como un relato que empieza con el estreno de la ópera Salome, de Richard Strauss, en mayo de 1906, y concluye en el presente. Pero Ross no es un pensador. Su pericia es la del aguafuertista que pinta escenas rápidas y notablemente vívidas. Esta virtud narrativa alcanza su plenitud en los capítulos más políticos: la música en la Rusia de Stalin, en la Alemania nazi y en los Estados Unidos de Roosevelt. El autor logra que veamos a Shostakovich frente al cajón de Prokofiev, a Hitler escuchando el preludio de Parsifal en un vagón de tren o que recorramos Bayreuth ocupada por soldados aliados que tocan jazz en el piano de Wahnfried.

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13 de Enero

Vampire Weekend - Farala

Originalmente en jenesaispop.com

Vampire Weekend se ha convertido en uno de los grupos más mencionados de la corriente del indie-rock que se mezcla con el africanismo, tan de moda últimamente. Y lo cierto es que tras el más que notable primer LP de la banda estadounidense, el pasado 2008, todos hemos esperado con cierto temor el segundo álbum de la banda, que sale hoy mismo a la venta, aunque ya lleva un par de días colgado en su MySpace.

‘Contra’ es el título de un nuevo largo que, por suerte, no decepciona. Tiene algunos peros -o algunos contras, si es que se me permite semejante gracieta chusca-. El fundamental es que se las ha ido totalmente la urgencia y la inmediatez de su debut, que contenía rabiosas canciones como ‘A-Punk’ o ‘Walcott’. En detrimento de estas, encontramos canciones que enganchan, sí, pero que son mucho menos espontáneas. El trabajo del grupo parece haberse centrado en las letras, dejando que la primera escucha de ‘Contra’ resulte un tanto fría. Al final de los poco más de 35 minutos que dura el disco, uno se da cuenta de que carece de singles claros, de canciones que te hagan levantarte de la silla para bailar, como sucediera con anterioridad. Y eso que el disco se ha inspirado en la calidez de California.

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1 de Enero

Dylancicos - Bill Flanagan

Originalmente en :: radar ::

A los 68 años, Bob Dylan no deja de sorprender: para estas Fiestas editó Christmas in the Heart, un disco en el que toca y canta una docena de clásicos navideños sin arreglos inesperados, ni rarezas, ni el menor rastro de ironía. Las regalías las donó todas a organizaciones que llevan comida a los necesitados sin intermediaciones burocráticas. Y la única entrevista en la que habló del disco es ésta, dada a Street News Service, la organización que nuclea a las revistas de los sin techo en todo el mundo, y que Hecho en Buenos Aires gentilmente ha cedido para que Radar reproduzca en castellano. A continuación, Dylan habla de su disco cálido y nostálgico, de los discos navideños, del rap y de los críticos que se empeñan en ver en el disco un rastro de ironía.

Bob Dylan revolucionó más de una vez el folk, el rock, el country y el gospel. Pero cualquier fan que afirme no haberse sorprendido cuando Dylan editó un álbum de canciones de Navidad tradicionales les está tomando el pelo. Christmas in the Heart es otro movimiento sorpresivo de un artista famoso por sus sorpresas. Sin embargo, cuando uno escucha las lecturas directas y obviamente sinceras que hace de “O Come All Ye Faithful”, “Little Town Of Bethlehem”, y “The First Noel”, todo suena en perfecta armonía con el resto de la obra de Dylan.

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24 de Diciembre

Everything Is One Big Christmas Tree - Robert Smithson & The Magnetic Fields

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18 de Diciembre

Terapia de grupo - Jesús Lillo

Originalmente en | abc.es | ABCD

«Creo que escribir canciones sobre las dificultades humanas representa una buena terapia», asegura Peter Silberman sobre el drama que narra Hospice. Frente a las evasivas de la nueva psicodelia, recurrente respuesta musical a una recesión económica que ha encontrado vías de escape en los géneros fantásticos abordados por la última generación de músicos norteamericanos, los Antlers proponen una dosis añadida de dolor. «Evitar la realidad -añade- es una reacción natural del ser humano, pero estoy convencido de que últimamente la gente responde más a la honestidad, y yo no me imagino detrás de una historia que considerase deshonesta».

Los Antlers estuvieron la pasada semana presentando en España su álbum de debut, cuya acción se desarrolla en la cama del hospital donde muere una niña, enferma de cáncer, y cuya agonía refleja el calvario de su autor, encerrado en su casa durante meses para curar una depresión. «No estoy seguro de cómo afecta una historia como la de Hospice a quien la escucha. He recibido muchos correos de gente que reconocía su conexión emocional con esta historia. A mí me ayudó a pasar página, pero estas canciones son ahora de la gente. Ya no son mías -señala Silberman-. Desde la distancia que proporciona el tiempo, parece que escribí Hospice cuando era mucho más joven, incluso una persona distinta».

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14 de Diciembre

El hombre del dedo de oro - DIEGO A. MANRIQUE

Originalmente en ELPAÍS.com

Maravilla: hoy se cumplen 30 años de la aparición de London calling, el doble elepé de The Clash que permitió a una generación de músicos evolucionar del blanco y negro del punk-rock hacia los colores del reggae, el ska, el rockabilly, el rhythm and blues. Responsable de materializar aquella apertura fue el productor Guy Stevens. Guy poseía un currículo respetable (Spooky Tooth, Procol Harum, Free, Mott the Hoople), pero además había ejercido gran influencia en el pop británico: fue pinchadiscos en una guarida de los mods londinenses, The Scene, y -sobre todo- dirigió el sello Sue en los sesenta.

En la actualidad, se considera políticamente incorrecto celebrar la labor de los disqueros, universalmente considerados como sanguijuelas. Vaya necedad: sea cual sea la valoración moral que se haga de las diversas compañías discográficas, resulta incompleta cualquier comprensión de la evolución del rock que no incorpore su dimensión industrial.

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28 de Noviembre

El lenguaje de la sinfonía - Federico Monjeau

Originalmente en Ñ

Antes de entrar en la fascinante investigación proustiana del semiólogo musical Jean-Jacques Nattiez, no estaría de más repasar ciertos puntos de la relación música y literatura y establecer algunos modos en cómo la primera se ha representado en la novela moderna. Vienen rápido a la mente tres modelos bien diferenciados, lo que por supuesto no quiere decir que no haya otros. El Dr. Faustus de Thomas Mann es tal vez el mayor ejemplo de la representación de la música en la novela de ideas; por momentos es teoría musical en estado puro, al punto que para su redacción Mann solicitó la ayuda del filósofo y compositor T. W. Adorno. Para decirlo en dos palabras, en el Dr. Faustus se trata de mostrar cómo la historia de la música y la historia de Alemania se inscriben en una sonata de Beethoven o en una invención técnica de Schoenberg.

En las antípodas de ese modelo crítico objetivista se define la dimensión musical del Ulises de Joyce, que se representa de varias maneras de una punta a otra de la novela pero que se consuma en el audaz salto del capítulo 11, organizado como una obertura en la que primero se enumeran los motivos (palabras sueltas, pequeñas frases) que se desarrollarán a lo largo del capítulo sin una lógica narrativa aparente. Podía decirse que si la música se presenta en la novela de Mann como un objeto de reflexión crítica, en el Ulises lo hace miméticamente, aunque podría dudarse de si el casi onomatopéyico capítulo 11 constituye el elemento mimético más significativo del Ulises; por el contrario, se podría postular que lo decisivamente mimético del Ulises no radica en una seudo música sino en la renuncia a toda generalización, a toda mediación conceptual explícita.

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27 de Noviembre

John Lennon al desnudo - J. PÉREZ DE ALBÉNIZ

Originalmente en EL CULTURAL

Cuando Mark David Chapman disparó cinco veces su revólver del 38 en la puerta del edificio Dakota consiguió algo mucho peor que acabar con la vida de John Lennon. Le convirtió en un ser inmortal. Ese ocho de diciembre de 1980 el miembro de los Beatles dejó de ser uno de los músicos pop más brillantes e influyentes de la historia para convertirse en una leyenda, con todos los inconvenientes que eso implica. Desde entonces han sido tantos los rumores que han surgido sobre su vida (carácter inestable, egocentrismo, adicción a todo tipo de drogas, vicios inconfesables, turbulentas relaciones personales y con el resto de la banda…), que la biografía escrita por Philip Norman (Londres, 1943) era absolutamente imprescindible. Alguien debía poner orden en la vida idel único hombre en la tierra más popular que Jesucristo.

Norman es un escritor preciso, metódico, minucioso. Un artesano del género biográfico. Justo lo que estaba pidiendo la vida anárquica, estrambótica, desordenada y disipada de Lennon. Juntos han puesto en las librerías la información más amplia, veraz y detallada posible sobre el hombre que escribió “Imagine”. Un libro ambicioso que nos permite aproximarnos como nunca a la mente de Lennon, puesto que desvela no sólo detalles familiares y personales habituales, la mayoría ya conocidos, sino fascinantes pormenores del complejo proceso creativo, la génesis y el desarrollo de sus ideas, de sus sentimientos, de sus canciones.

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