25 de Agosto

Editor de sueños - Gerard Casau

Originalmente en Contrapicado.net

Origen (Inception, Christopher Nolan, 2010)

Cosas que no conviene pasar por alto: Origen es la primera película que Christopher Nolan escribe en solitario desde Following (1998), su ya un tanto lejano -y semi-underground- debut. Ambas son también los únicos títulos de su filmografía que no adaptan de una forma u otra un material ajeno, ya que incluso Memento (2000) se basaba en un relato de su hermano -y habitual co-guionista- Jonathan. Basándonos en este hecho podríamos llegar a la conclusión de que Origen es el film más personal de Nolan en muchos años, lo cual quizás sea un poco precipitado. Sin embargo, no resulta descabellado pensar que es el que más se aproxima a lo que el director considera que debe ser el cine.

Resulta significativo observar los paralelismos que se dan entre ambas películas, lo que permite deducir que la idea central de Origen llevaba dando vueltas por la cabeza del director desde sus tiempos de estudiante de Literatura Inglesa. El protagonista de esta (interpretado por un Leonardo DiCaprio tan trastornado como en Shutter Island -2010-) y uno de los personajes principales de Following comparten nombre -Cobb- y ambos se dedican a entrar en la mente de otras personas. Invadiendo y manipulando los sueños ajenos en el caso del primero y mediante el robo de objetos muy particulares el segundo. ¿Es Following el ensayo en clave povera de lo que luego eclosionaría en Origen o acaso Nolan nos ha querido contar la misma historia desde los dos extremos de la industria del cine?

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Le cinéma critique - Cloe Masotta

Originalmente en contrapicado

Le cinéma critique. De l’argentique au numérique, voies et formes de l’objection visuelle
Nicole Brenez y Bidhan Jacobs [directores], Ed. Publications de la Sorbonne, 2010

La vida de las imágenes

La urgencia

“El artista ha acarreado la tradición de lo visual y la visualización a través de las épocas. En el presente, unos pocos han continuado el proceso de la percepción visual en su más profundo sentido y transformado sus inspiraciones en experiencias cinematográficas. Ellos crean un nuevo lenguaje, hecho posible por la imagen en movimiento. Crean donde mismo antes de ellos el miedo ha creado la más grande necesidad. Están esencialmente preocupados y negocian mediante sus imágenes con el nacimiento, el sexo, la muerte y la búsqueda de Dios”.
Stan Brakhage

En Film as a subversive art [1], Amos Vogel insiste en “el poder de la imagen cinematográfica, nuestro temor a ella, la emoción que nos empuja a ella”. El film es experiencia, reza el acertado título de la introducción a su fascinante exploración de las “imágenes subversivas” del cine; y el poder de la imagen cinematográfica de trance e hipnosis, nuestra incondicional rendición a ella, la convierte en una poderosa arma represiva y de dominio de las masas, a la par que también es posible “un cine más liberado” en que circulen otras imágenes, esos temas que el poder establecido ha convertido en tabú. En esta línea, Stan Brakhage en Metaphors on vision [2] propone un acercamiento nuevo a las imágenes que él plasma en su obra fílmica, tratando de devolver al espectador la experiencia de “un ojo no gobernado por las leyes de la perspectiva hechas por el hombre, un ojo no-prejuiciado por la lógica composicional, un ojo que no responde al nombre de todo, pero el cual tiene que conocer cada objeto encontrado en la vida a través de la aventura de la percepción” [3].

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21 de Agosto

El arte fuera de sí - Néstor García Canclini

Originalmente en lanacion.com

¿Qué está pasando con el arte, cuya muerte se anunció tantas veces, para que en pocas décadas se haya convertido en una alternativa para inversores decepcionados, laboratorio de experimentación intelectual en la sociología, la antropología, la filosofía y el psicoanálisis, surtidor de la moda, del diseño y de otras tácticas de distinción? [...]

Desde principios del siglo XX la sociología mostró la necesidad de entender los movimientos artísticos en conexión con los procesos sociales. Ahora, esa implicación "externa" del arte es más visible debido al creciente valor económico y mediático alcanzado por numerosas obras. Para explicar el fenómeno no alcanzan las hipótesis que postulaban -al igual que se dijo respecto de la religión- que las artes ofrecen escenas imaginarias donde se compensan las frustraciones reales , ya sea como evasión que lleva a resignarse o como creación de utopías que realimentan esperanzas: "una especie de religión alternativa para ateos", según la frase de Sarah Thornton.

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Origen: la formulación de la creatividad - MIGUE MUÑOZ

Originalmente en | Koult

El proceso de creatividad tiene su punto lúcido cuando tras una fase de dura investigación y otra de incubación (dejar de lado lo que se está investigando) el subconsciente ordena la información para que la idea que anhelamos aparezca de la nada: para que la manzana se descuelgue del manzano y surja el eureka. Ser creativo se puede llevar dentro, pero también se puede fomentar y aprender. Christopher Nolan siempre ha tenido inquietudes genéricas sustentadas en algún tipo de ensamblaje narrativo de altos índices creativos desde Following (1998), su ópera prima. Aunque de la conjunción de su sobriedad formal con la sobrecarga de fondo que adquieren todos sus relatos audiovisuales se palpa la genética de un creador que mantiene un pulso entre su don innato y su capacidad de trabajo compulsivo. Una perfección autoral que maneja códigos ya manipulados por otros genios pero llevados a la interesante denominación de cine personal, de autor.

Con Origen, Nolan pretende acercarse a Kubrick, Tarkovski, Soderberg o Mann, pero también se acerca a Nolan. Ya tiene rasgos característicos como autor, y su viaje por el trazado del film noir no llega a la precisión de Memento (2000) pero si que entronca por la vía de fea pulcritud y sobresaturación narrativa que le mantiene despierto como autor distinguible y con nervio.

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19 de Agosto

Los esplendorosos superochos de David Domingo - Gloria Vilches

Originalmente en Blogs & Docs

“Todo lo que haces es precioso”, escribía recientemente un rendido fan en la web del cineasta David Domingo, también conocido como Stanley Sunday o Davidson. Es difícil no estar de acuerdo, muy especialmente en lo relativo a sus películas en super8, que son, efectivamente, preciosas, entre otros muchos adjetivos. En este texto vamos a centrarnos en esta parte de su filmografía, pero no hay que olvidar que David Domingo hace mucho más. Realiza, en primer lugar, películas en otros formatos (video, 16mm) y estilos muy diferentes a lo que vamos a contemplar aquí. Desde hace relativamente poco, organiza presentaciones performáticas a modo de proyecciones múltiples en directo. Edita también un alocado fanzine quinquenal, que lleva por título Un día en la vida de Jonas Mekas, del que acaba de salir el número 1 (el 0 vio la luz en verano de 2005). Gestiona la mencionada web, en la que cuelga profusa documentación gráfica de sus películas (sobre todo fotogramas fotografiados que incluyen la perforación que testimonia y exhibe con orgullo su naturaleza cinematográfica) o misivas escritas a máquina dirigidas a sus fans, que son cada día más. Todavía se puede consultar online un blog anterior en el que glosó, de manera eminentemente visual, el proceso de creación de uno de sus últimos proyectos, Película Sudorosa, donde comparte su emoción al enviar a revelar o recibir un rollo de super8, sus experiencias con diversos artilugios fílmicos o sus nuevas adquisiciones de películas que triturará e integrará en sus piezas.

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2 de Agosto

Retorno a la imagen - JARA CALLES

Originalmente en Afterpost

“Retorno a la imagen [Estética del cine en la modernidad melancólica]” de José Luis Molinuevo

Por lo menos hasta la fecha, puede decirse que Retorno a la imagen es la obra que más se aproxima al programa de pensamiento “en imágenes” que durante estos años ha venido desarrollando José Luis Molinuevo en su blog. De algún modo, esto es algo que tiene mucho que ver con la propia naturaleza de la obra que, así concebida, no es tanto un libro sobre imágenes como una nota “extensa” a pie de ellas. Es decir, un libro que más que comentar trata de mostrar las imágenes, no sólo de forma visual, sino también (y de forma predominante) a través de la palabra.

Como la mayoría de sus referentes (las películas de Wim Wenders, Theo Angelopoulos, Werner Herzog, Bela Tarr, Andrei Tarkovski o Michelangelo Antonioni) el discurso de Molinuevo no responde a un orden lineal (lo vemos en el índice, que aparece desprovisto de numeración y paginación); como tampoco a una serie de conclusiones avanzadas y reflexiones previas sobre las obras. Antes, al contrario, Retorno a la imagen se presenta como el producto de una observación asidua de estas películas y, por lo tanto, como una lectura “en tránsito” que se aproxima a las imágenes en tanto imágenes, y no como conceptos. Está en su naturaleza no agotar su discurso, tampoco los planteamientos aquí expuestos, dado que se trata de un estudio en constante revisión e implementación. Así se pone de manifiesto en el propio decurso de la obra, en la que se detectan algunos ritornellos (ideas que se retoman, otro tipo de regreso) que aportan cierto dinamismo al trabajo y lo configuran como espiral argumental, oscilante. Se trata de un libro que, además, recupera aspectos temáticos de algunas de sus obras precedentes, como serían Estéticas del naufragio y de la resistencia o Magnífica miseria. Pero también, como hemos dicho, de su trabajo en el blog, ahora ampliado, y cuya natural gestión de los contenidos, formatos y lenguajes ha propiciado una operación distinta de edición y distribución para esta obra, de acceso abierto en la red y bajo licencia Creative Commons.

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